Dave Hill

Dave Hill

Dave Hill es un joven fotógrafo americano (criado en San Diego, vive en Los Ángeles) que ha creado escuela con su estilo muy particular, con fotografías con un alto trabajo de procesado, a medio camino de la ilustración, llenas de sensación de movimiento, color y saturación pero con una cuidada composición y perspectiva.

Adriana Pérez Arrebola 1º ilustración
participación de octubre

FRANK  FOURNIER

Frank Fournier nació en 1948 en Saint-Server, Francia.En 1975, decidió abandonar todo por la fotografía. Para ello se trasladó a New York, donde pudo iniciar su carrera como fotógrafo.Muchas de las fotografías de Frank Fournier se han publicado en diferentes medios de comunicación impresos: diarios generalistas o revistas especializadas.

La imagen de los niños moribundos y desnudos fue tomada por Fournier en el Hospital de Virología y Enfermedades Infecciosas de Constanza.

Omayra Sánchez fue una niña víctima del volcán Nevado del Ruiz durante la erupción que arrasó al pueblo de Armero, Colombia en 1985. Omayra estuvo 3 días atrapada en el fango, agua y restos de su propia casa. Tenía 13 años y durante el tiempo que se mantuvo atorada siempre estuvo encima de los cuerpos de sus familiares. Cuando los socorristas intentaron ayudarla, comprobaron que era imposible, ya que para sacarla necesitaban amputarle las piernas, sin embargo carecían de cirugía y podría fallecer. La otra opción era traer una moto-bomba que succionará el cada vez mayor fango en que estaba sumergida. La única moto-bomba disponible estaba lejos del sitio, por lo que sólo podían dejarla morir. Omayra se mostró fuerte hasta el último momento de su vida, según los socorristas y periodistas que la rodearon. Durante los tres días, estuvo pensando solamente en volver al colegio y en sus exámenes. El fotógrafo Frank Fournier, hizo una foto de Omayra que dio la vuelta al mundo y originó una controversia acerca de la indiferencia del Gobierno colombiano respecto a las víctimas. La fotografía se publicó meses después de que la chica falleciera. Muchos ven en esta imagen de 1985 el comienzo de lo que hoy llamamos Globalización, pues su agonía fue seguida en directo por las cámaras de televisión y retransmitida a todo el mundo.

Adriana Pérez Arrebola 1º Ilustración 

Participación de septiembre

Jan Saudek

Fotógrafo y artista plástico nacido en Praga, entonces Checoslovaquia, el 13 de mayo de 1935.

Recibe su primera cámara en 1950, una Kodak Baby Brownie, sobre la que el propio Saudek dice: “lo único que se puede hacer con esta cámara es cargar la película, apretar el botón y hacer la foto; y eso es exactamente lo que he hecho hasta 1963”.

En 1951 colorea una foto, que su madre enseña al médico de la familia. Ésta asevera que es absolutamente mala, kitsch y que su estilo está pasado de moda, lo que desanima a Saudek a continuar con la fotografía por un tiempo. Paradójicamente, serán estas fotografías en blanco y negro coloreadas manualmente las que caracterizan y hacen, hoy en día, internacionalmente reconocible su trabajo.

En 1959 su esposa de entonces, Marie, le regala una cámara Flexaret 6 x 6.

En 1963 cae en sus manos el catálogo de la exposición Family of Man del fotógrafo americano Edward Steichen y entonces decide que lo que realmente quiere es dedicarse a la fotografía y que su inspiración sean, exclusivamente, las personas con las que se haya sentimentalmente ligado. Posteriormente, afirmará que con su trabajo lo que intenta es “capturar todas las cosas que conozco y amo, pero sobre todo me gustaría dejar una huella del tiempo en que he vivido”. El libro de Steichen le motiva a exponer, por primera vez, en Praga.

En 1969 viaja a Estados Unidos, donde Hugh Edwards le anima a continuar con su labor artística. En la Universidad Bloomington de Indiana expone por primera vez en solitario.

A partir de los años setenta su trabajo empieza a ser conocido, pero hasta 1983 no publica su primer libro de fotografías. En reconocimiento a la trayectoria artística de Saudek, las autoridades comunistas le permiten abandonar en 1984 su trabajo en la fábrica y que se asocie a la Fundación de Artistas visuales Checoslovacos, lo que equivalía a su reconocimiento profesional como artista.

En 1990 es nombrado Caballero de la Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia y en 2006 es galardonado en su propio país con el Premio Artis Bohemiae Amicis junto a Milan Kundera y Vladimir Körner por contribuir a la reputación artística de la República Checa.

Laura Torres Ranchal - 1º Ilustración
*Participación de Noviemrbe

Entrevista Yanire Fernandez "Yanyel"

1. ¿Cuelgas en casa fotografías de tus trabajos?
No tengo casa propia, vivo con mis padres y tras hacer mi primera exposición al no tener espacio donde guardarlas, mi madre se empeñó en colgar algunas por las paredes... Yo en mi propia casa no las colgaría, me acostumbraría a verlas, y creo que perderían cierto valor, nunca hay que acostumbrarse a nada, las cosas en su justa medida.

2. ¿Cual es el mejor momento que te ha proporcionado la fotografía?
El mejor momento me lo proporciona cuando las palabras se quedan cortas a la hora de comunicar o transmitir y me veo capaz de pasar a la imagen y llegar con ello donde no pueden las palabras.

3. ¿En que parte de la fotografía crees que está esa sustancia adictiva que engancha?
La sustancia adictiva está desde el principio hasta el final, desde el momento en el que te viene una idea, hasta que cojes la cámara, disparas, procesas la imagen y te sorprendes del resultado. A esa sustancia yo lo llamaría crear

4. En las etapas de sequía de inspiración, ¿con que te intentas estimular?
Me gustan las letras de las canciones, los poemas, las frases trascendentales de peliculas... cuando empiezan a escasear las ideas, simplemente me veo alguna pelicula, escucho musica, o leo algun poema, de ahí normalmente sale alguna idea que llevar a cabo.

5. El sentido, antes o después del click?
Creo que el sentido debería ser antes, pero en mi caso casi siempre es después a menos que sea una fotografía muy pensada (mis sesiones son improvisadas con algun que otro elemento).
Lo que me suele ocurrir es que las fotos cobran sentido una vez hecha, inconscientemente plasmo mi estado de animo y algun conflicto interior, no se realmente como puede ser así, pero me pasa...

6 ¿Qué hace que una obra sea arte?
Para mi una obra de arte es algo que no lleva nombre de autor, si no que hace que yo misma me haga preguntas, que haga que me pare a pensar.

7. Si sólo pudieras conservar una fotografía , ¿con cuál te quedarías?
Una fotografía de las mías? la primera fotografía que revelé, que probablemente sea la peor, pero en su momento me pareció maravillosa.

8. (Como decía Machado): ¿el arte es un juguete, y además no importa?
El arte es una manera de expresion, muy subjetivo y es sometido a un juicio por los demás, supongo que sí es un juguete, pero a mí si me importa.

9. ¿Consideras que haces fotografias para ti o para la opinion de los que te rodean?
Hago fotografías para mí, pero necesito, ya no la opinion, si no la ayuda y la critica de los demás, para mejorar. Me gusta que la gente me de su punto de vista porque a veces cobran significados muy curiosos.

10. ¿Consideras que una fotografia retocada con elementos de otras sigue siendo un "instante"?
No, un instante es un instante... El fotoperiodismo es de instantes, la fotografía creativa normalmente no.

Yo considero que un instante es espontaneo nada planificado, el fotografo no debería intervenir ahí.
La fotografía creativa, logicamente tambien es un instante de tiempo, pero es un instante planificado.

11. ¿Una buena fotografía se busca o se encuentra?Por experiencia propia, una buena fotografía te busca para encontrarte.

12. ¿Qué artistas han influenciado en tu visión fotográfica?
No se si llamarlo influencia, porque no pienso en ningun artista cuando fotografío, pero he de admitir que me encanta el surrealismo, Dali, Magritte. Y fotografos puede ser que Jan Saudek. Realmente te podría nombrar un monton de fotografos que me gusten, pero influenciar es diferente, y supongo que estos tres artistas me llaman tanto la atencion que quizás inconscientemente mis fotos tengan algo de ellos.

13. En una fotografía tuya, ¿la emoción está delante o detrás de la cámara?
En mis fotografías , normalmente soy yo la que está en ambos sitios, pero cuando son otras personas, intento que transmitan con el cuerpo lo mismo que transmitiría yo, porque aunque no sea yo esa persona, seguiré considerando la foto como un autorretrato. Así que respondería que el sentimiento está en ambos lugares

14 Qué es una buena fotografía
La que te hace sentir, tristeza alegría, te traspasa el alma, te desgarra, te hace preguntas, te sugiere una cancion, te sugiere un pensamiento, te hace recordar algo... Una buena fotografía es la que no deja indiferente a nadie.

15 ¿Te consideras artista?
Ni siquiera sé desde qué momento te puedes considerar fotografa...

16. Te acuerdas del momento o de afición, la fotografía se cambio en expresión ?
No entiendo bien la pregunta, la replantearé de nuevo: Te acuerdas del momento en que la fotografía como afición cambió de expresión?
Cuando empecé a estudiar fotografía quería dedicarme a ello, así que nunca fue una aficion, pero no sabía de lo que era capaz de hacer, yo no sabía mucho del tema. El momento en el que me he dado cuenta de que QUIERO dedicarme a ello, es cuando me he sorprendido a mí misma haciendo fotografías que hace que me pregunte realmente como llegué ha hacerlas, cómo llegué a tener esa ideas...

17. Te has preguntado : porque "elegiste" la fotografía ?Desde pequeña dibujaba, mi abuelo pintaba cuadros, mi hermana es muy hábil para ello tambien, pero a mí se me quedaba muy grande la pintura.. tenía ciertos límites, soy capaz de imaginar cosas pero incapaz de trazarlas con un carboncillo, puedo plasmarte algo real pero nada que esté en mi cabeza, y creo que por eso la fotografía complementa lo que la pintura no podía darme, puedo imaginarme cualquier cosa, y hacerla real en una imagen con mi camara. Es triste pero desde que empecé con la fotografía no he sentido la necesidad de volver a pintar.e volver a pintar.

Laura Torres Ranchal 1º de ilustración
* participacion de octubre

GREGORY COLBERT

GREGORY COLBERT

Gregory Colbert nació en Toronto, Canadá, en 1960. Es un cineasta y fotógrafo mejor conocido como el creador de Ashes and Snow una exposición de obras fotográficas y videos albergada en el Museo Nómada (The Nomadic Museum).

La primera exposición de Gregory Colbert, Timewaves, se inauguró en el Museo de Elysée en Suiza en 1992, recibiendo elogios de la crítica. Durante los siguientes diez años, Colbert no exhibió públicamente sus obras ni sus videos. En cambio, viajó a lugares como India, Birmania, Sri Lanka, Egipto, Dominica, Etiopía, Kenia, Tonga, Namibia y la Antártica para filmar y fotografiar la interacción entre los seres humanos y los animales. Desde 1992, Colbert ha realizado más de 60 expediciones y ha colaborado con más de 130 especies: Colbert ha filmado y fotografiado animales como elefantes, ballenas, manatíes, ibis sagrados, grullas Antigona, águilas reales, halcones gyr, rinocerontes búceros, guepardos, leopardos, perros salvajes africanos, babuinos,gibones, orangutanes y cocodrilos de agua salada. Los sujetos humanos que ha fotografiado y filmado incluyen a monjes birmanos, bailarines en trance, gente San, y miembros de otras tribus indígenas alrededor del mundo.

En 2002, Colbert presentó su obra Ashes and Snowen Venecia, Italia. Una crítica en The Globe and Mail del 9 de abril de 2002 dijo, al respecto, lo siguiente: “Colbert develó Ashes and Snow, una exhibición de imágenes y fotografías sin precedentes por su alcance y escala. Cubriendo 12,600 metros cuadrados, es una de las exposiciones de una sola persona más grandes en la historia de Europa.”¹

En la primavera del 2005, la exposición se inauguró en la ciudad de Nueva York dentro del Museo Nómada (The Nomadic Museum), una estructura temporal construida exclusivamente para albergar la exposición. Posteriormente, Ashes and Snow y el Museo Nómada viajaron a Santa Mónica, California en el 2006, a Tokio en el 2007 y a la Ciudad de México en el 2008. Hasta la fecha, más de 10 millones de personas han visitado Ashes and Snow, lo que la convierte en la exposición de un artista vivo con mayor asistencia en la historia.²

Colbert empezó su carrera en París en 1983, realizando películas documentales sobre temas sociales. Su documental On the Brink-An AIDS chronicle (En el Borde – Una Crónica del SIDA), fue filmado en nueve países, y nominado para un premio ACE en 1985 en la categoría de mejor documental. Otros proyectos fílmicos incluyen Last Words (Ultimas Palabras) y Finding a Way Home(Encontrando un Camino a Casa). Su trabajo en cine lo condujo hacia la fotografía artística.

Gregory Colbert ha recibido una considerable cantidad de premios y distinciones. En el 2006 ganó el premio de “Mejor Curador del Año” (“Best Curator of the Year”) en los Premios Lucie (Lucie Awards).³ En el 2007, su película Ashes and Snow fue nominada para un premio especial en el Festival de Cine de Venecia (Venice Film festival).⁴ Su reconocimiento más reciente fue el nombramiento de embajador honorario de cultura y turismo de México.⁵

Ashes and Snow y el Museo Nómada (The Nomadic Museum) continuará su gira mundial indefinidamente.

PATRICIA RODRIGUEZ FERNANADEZ 1º DE ILUSTRACION

Kike Calvo

Fotógrafo español afincado en Nueva York, nació en Zaragoza en 1972. 

Tras cinco años estudiando Economía en la Universidad de Zaragoza, y haber obtenido varios premios en Periodismo de la Universidad de Idaho, forjó su pasión por la fotografía. 

Todo comenzó cuando realizó un viaje por Nicaragua con la cámara de su tío. Allí desarrolló su ojo para contar historia. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país.

Estudió formación profesional en varias escuelas, entre ellas en la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas.

Le han concedido varios premios, como son los caso del galardón de Periodismo en 1999 por su implicación en temas de cooperación y desarrollo.

El trabajo de Kike Calvo refleja los escenarios de más de 65 países. Es de los pocos fotógrafos españoles que ha podido ser testigo de las Islas Galápagos y de las aguas lejanas del Ártico. También ha recorrido Australia, Israel, Islas Maldivas, Bolivia, Brasil, Hawai, Hong Kong, Egipto, Belice, México, Canadá, Portugal, Tailandia y Costa Rica, entre muchos otros.

Su estilo fotográfico se enmarca en un contexto conservacionista. Ha fotografiado la complejidad ambiental, la belleza del páramo y la magnificencia de la diversidad mundial.  

Su trabajo, una combinación periodística y artística, se muestra en Nueva York, Japón, Francia, el Reino Unido, Hong Kong, Polonia, Austria, Bélgica, Alemania, Países Bajos y Australia, teniendo en todas ellas representación en agencias.

Las instantáneas de Kike Calvo han sido expuestas en numerosas ocasiones: en la oficina central de las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de la Nueva York, de Chicago o de Manila (Filipinas). En nuestro país, su trabajo, además de estar exhibido en su galería propia en Zaragoza, se ha podido disfrutar en el Museo de Pablo Serrano.

Premios de fotografía

• Premios de Fotografía de Conservación Internacional de Wolfe en el año 2008. Categoría Submarina
• Premio sobre Asuntos Internacionales en 2001 de la Universidad de Nueva York 
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  

*Laura Torres Ranchal  1º Ilustración

*participación de septiembre