viernes, 31 de diciembre de 2010

Chema Madoz

Chema Madoz (Madrid, 1958), reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y el conjunto de su obra, además de ser respetada por la crítica, está alcanzando unas cotas de popularidad impensables para otros artistas contemporáneos.
Amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que
perspectivas y texturas tejen sus imágenes
Biografía
José María Rodríguez Madoz nace en Madrid , en 1958.
Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.
En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.
Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.
En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.
Ese mismo año recibe el Premio Kodak.
En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro "Chema Madoz (1985 - 1995)".
Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula "Mixtos - Chema Madoz".
En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 - 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.
En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia). Ese año recibió el premio Higashikawa en Japón.  

Sobre la fotografía

Extracto de una conversación mantenida con Chema Madoz en abril de 2001

La Técnica
Me interesa en cuanto me permita acceder a los resultados que deseo. Luego de alguna forma hay que olvidarla, no tenerla presente.

Las Cámaras
Empecé a trabajar con una reflex 35mm, una Olympus que tuve durante 4 años hasta que me compré una Nikon F3. Después compré una Bronica para iniciarme en el formato medio. Ya había tenido antes una cámara Mamiya de 6 x 6 cm. del tipo de dos objetivos, que funcionaba bien, tenía un fuelle que permitía macro pero era muy difícil trabajar con ella porque al acercarte no veías lo que fotografiabas. Finalmente me decidí a comprarme una Hasselblad, que es con la que llevo trabajando hace ya diez años.

La Luz
Prácticamente todas mis fotografías son tomadas con luz natural. Yo creo que va evolucionando el uso que haces de la luz, aunque siga siendo luz natural. Sabes sacarle más partido. Sólo introduzco algo de luz artificial en los casos que he fotografiado una lámpara como parte del objeto o para darle un toque especial a algún detalle.

El Estudio
El estudio es algo que tengo desde hace relativamente poco. Realmente fue más por la comodidad de poder trabajar en varios proyectos de fotos a la vez. En mis primeras series trabajaba en la calle, después empecé a trabajar más con objetos y fotografiarlos en algún rincón de mi casa con luz natural de ventana. Se ve una relación entre los medios de que disponía y los tipos de fotos que construía. Trabajando en el estudio sí he notado mucho que disponer de un espacio de taller amplio me permite avanzar más rápido y cómodo. Puedo tener varias ideas en marcha e irlas depurando.
Fotógrafo o escultor
Me sigo considerando fotógrafo. La construcción de la mayoría de mis objetos está resuelta de mala manera… Bueno, me explico, quiero decir que están construidos para ser fotografiados. No tienen empaque, ni una presencia cuando los ves físicamente. No hay un acabado maravilloso, solo un aspecto de ellos que vas a fotografiar es lo que funciona. Sacados de ese contexto funcionan en contadas ocasiones. Alguna vez también me ha ocurrido lo contrario: un objeto que es muy atractivo y que no funciona al ser fotografiado. Sin embargo, lo normal es justo el caso contrario
 Sobre su obra
Desde hace tiempo Chema Madoz pinta ideas de plata. Con su trabajo abre espacios insospechados, formas de gran fuerza; y todo ello nos alcanza, porque nos recuerda siempre a algo y nos empuja a reflexiones sin límites. A través de sus fotografías avanzamos a comprender lo extraño de los atributos en las formas y los ciclos que de forma machacona se producen en la naturaleza. Desde la herencia de la funcionalidad artística de los objetos surrealistas, en donde la provocación racional unida al azar, provocaba un efecto poético, muchos han sido los artistas que han continuado con este ánimo conspirador, como Granell y Brossa. Sin embargo, Chema Madoz, se distancia de ellos trabajando desde la idea, desde lo intangible. Si bien necesita objetos para la realización de sus imágenes, estos desaparecen en la propia imagen. Sus obras tienen un carácter limpio cercano a las fotografías de Man Ray, con frecuentes cambios de escala, donde el poder evocador y poético resulta de la conjunción ordenada de elementos sencillos, sin apenas manipulación, y de la aparente inmediatez con la que se ha dispuesto el escenario para la acción.




















Chema Madoz trabaja con el sentido de las cosas como si se tratara efectivamente de materia. La tarea de materializar el sentido es sin duda un ejercicio poético y, por ello, quisiera resaltar en primer término que se trata de una obra que produce una percepción esencialmente poética. Madoz utiliza los objetos y su representación gráfica como si fueran palabras de un vocabulario nítido. Analizando el azaroso mapa de señales que emiten las cosas desde el lugar que ocupan en el mundo, Madoz individualiza y desordena, confronta y manipula hasta conseguir mostrar un nuevo orden, una cara oculta del sentido, una nueva verdad simbólica que resalta por impacto el desorden de la lógica. Las cosas, los objetos, situados en un nuevo lugar, desnudos del entorno natural donde realizan su función, están ante la cámara emitiendo otras señales diferentes. Convertidos en signos están ahora literalmente hablando. O mejor, son imágenes que están literariamente hablando. Porque partiendo de la estética de la semejanza y la vecindad de referentes, Madoz desplaza el sentido natural de los conceptos a otras comprensiones explotando al máximo sus capacidades simbólicas y resolviendo su discurso con figuras y tropos de honda relación con el lenguaje: analogías, metáforas, paradojas o metonimias visuales que ofrecen al espectador un juego de percepción poética y le exigen una colaboración activa. La obra de Madoz tiene, por tanto, una amplia vecindad literaria. Sus composiciones se acercan al poema minimalista y a la contraposición de imágenes poéticas que produce una explosión metafórica que evocan a los haikus orientales.


                                                                                              Guillermo Velasco Paez


lunes, 20 de diciembre de 2010

Christophe Gilbert

Christophe Gilbert es un fotógrafo belga (nacido en Bruselas en 1962)  que está reconocido como uno de los mejores artistas en el retoque fotográfico.  Sus originales ideas y un tratamiento muy cuidado hacen que sus imágenes sean excepcionales.




(c) Christophe Gilbert 


Biografía:
  • Estudió fotografía en la Academy de Ixelles durante un año.
  • Recibió el CCB Awards (Creative Club de Bélgica), cuyo objetivo es promocionar la creatividad belga en  2000, 2001, 2003 and 2005.
  • Ha trabajado en publicidad para grandes marcas. 
Gloria Gomez Abad

sábado, 18 de diciembre de 2010

Toni Catany

Nacido en Lluchmayor (Palma de Mallorca), 1942. Es un reconocido fotografo español, Toni Catany obtiene imagenes que parecen suspendidas en un tiempo irreal, flotando entre el pasado y el presente. Crea una atmosfera de melancolia a traves del dominio de la luz, evidenciando su pasion por la expresion plastica y visual y centrando su interes en el bodegon, el cuerpo y el paisaje.
Es fotografo autodidacta. En 1967 comienza a trabajar como fotografo "freelance", realizando reportajes de viajes para "La Vanguardia" y "Destino".
Desde su primera exposicion en 1972, ha realizado mas de cien exposiciones individuales y otras tantas colectivas en todo el mundo.
Sus creaciones fotograficas han sido expuestas en España, Francia, Suiza, Reino Unido, Italia, Grecia, Paises del Magreb, Australia y Japon.
Parte de su trabajo se encuentra en innumerables colecciones privadas y publicas alrededor del mundo.
Entre 1987 y 1994, se han editado cinco libros sobre su obra personal.
Ademas ha recibido los siguientes premios: - Premio Nacional de Fotografia 2001 (España) - Premio Nacional de Artes Plasticas (Catalunya) 2001.
Algunas de sus fotografías son:









 Almudena Arenas Román.

viernes, 17 de diciembre de 2010

Ron Gallela es un fotografo americano conocido como el pionero de los paparazzi.Sus fotografias se pueden ver publicadas en revistas como Time, Harper's Bazar, People, Vougue, Vanity fair etc etc Es ampliamente conocido por su tratamiento obsesivo de Jacqueline Kennedy Onassis y las batallas legales posteriores asociadas a ella. 
Galella está dispuesto a asumir grandes riesgos para obtener la toma perfecta. En su cuarto oscuro en el hogar, Galella hace su propia grabados que se han exhibido en museos y galerías de todo el mundo, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York y San Francisco, la Tate Modern de Londres y el Museo de la Fundación Helmut Newton de la Fotografía en Berlín.
Algunas de sus fotografias son:



 Virginia Gascón Moreno

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Ashes and Snow de Gregory Colbert

El artista canadiense Gregory Colbert comenzó su carrera en París haciendo documentales

acerca de asuntos sociales. La realización de películas le llevó a su trabajo como

fotógrafo artístico, y la primera exposición pública de su obra tuvo lugar en el Musée de

l’Elysée de Suiza.



Durante los siguientes diez años, no mostró ninguna película ni expuso ninguna de sus obras

de arte. En su lugar, viajó a sitios como India, Birmania, Sri Lanka, Egipto, Dominica,

Etiopía, Kenia, Tonga, Namibia y la Antártida para rodar y fotografiar las maravillosas

interacciones entre los seres humanos y los animales.



En 2002, inauguró la exposición Ashes and Snow en Italia en el Arsenal de Venecia, un

astillero del siglo XV de unos 12.000 metros cuadrados, propiedad de la marina italiana.

Fue la mayor exposición monográfica organizada en Italia. EL Nomadic Museum debutó con la

inauguración de la exposición Ashes and Snow en Nueva York en el Muelle 54 de Hudson River

Park y posteriormente se trasladó a Santa Mónica, California.



Más de un millón de personas han visitado la muestra desde el comienzo de su viaje en

Venecia. El proyecto ha sido bien acogido tanto por el público general como por la crítica

y Gregory Colbert fue galardonado con el 2005 Lucie Award for Curator of the Year (premio

Lucie de 2005 al Comisario del año) por la instalación de Ashes and Snow en el Nomadic

Museum de Nueva York.



La exposición Ashes and Snow incluye más de 100 obras de arte fotográficas en gran formato,

una película de una hora y dos películas haiku de nueve minutos. Ninguna de las imágenes se

ha manipulado de forma digital para aparecer en collage o superpuestas. Registran lo que el

artista vio a través del objetivo de su cámara.



Los trabajos fotográficos de soporte mezclado combinan los tonos ámbar y sepia en un

proceso encaústico sobre papel japonés hecho a mano. Las obras de arte, de aproximadamente

un metro y medio por dos y medio, se montan sin ningún texto explicativo, fomentando una

interacción abierta con las imágenes.















WALPAPER
                            





                                                                                                    "Chico" Carmona Ortiz