martes, 25 de septiembre de 2012

MARILYN Y SUS FOTOGRAFOS:

Como es la primera vez que hago algo de esto voy ha hablar de los fotografos que han fotografiado a Marilyn Monroe, como curiosidad de la mítica actriz rubia.

Lo cierto es que material hay y mucho. Desde sus primeras instantáneas donde su imagen aún no se había convertido en icónica, hasta las fotografías tomadas por Bert Stern seis semanas antes de su muerte. Su rostro y su cuerpo fueron cambiando, pero la sensualidad siempre le acompañó, incluso en las imágenes de sociedad o durante los rodajes. Os invito a este paseo para acercarnos a la actriz de “Con faldas y a lo loco” y “Los caballeros las prefieren rubias” vista a través de quienes la inmortalizaron para siempre. 
Fue retratada por Joseph Jasgur el cual retrata la inocencia al jugar con el erotismo por Tom Kelly para PlayBoy.


Milton Greene retrata a Marilyn Monroe entre luces y sombras:

La sesión “Black Sitting“ a cargo de Milton Greene es una de las más interesantes visualmente. Tomadas en 1956 se ve a una Marilyn más madura. Ataviada al estilo de “Cabaret” fueron hechas en la ciudad de Nueva York antes de trasladarse a California para rodar “Bus Stop”. La relación entre ambos fue muy estrecha, de hecho la actriz vivió cuatro años con él y su familia en su granja de Connecticut, siendo uno de los que mejor supieron retratarla y al que debemos muchas de las mejores fotografías de la Monroe.


Cecil Beaton y la imagen mas natural de Marilyn:



Tomadas el 22 de febrero de 1956 en una suite del Hotel Ambassador de New York, con una flor en la boca o acompañada de un pajarito, son sin duda sus imágenes más naturales y menos provocadoras

Avedon también retrató a Marilyn:






Por supuesto que Avedon no podía faltar en nuestro repaso. Y además descubrimos una serie de fotografías muy distintas al ideal que tenemos sobre este autor. En 1958 retrató a Marilyn inspirándose en fotografías tomadas a grandes actrices como Marlene Dietrich o Clara Bow. 



Ernst Hass fotografias de Marilyn en los rodajes:



Pero si hay unas fotografías que siempre me han fascinado sobre Marilyn, esas son las de Ernst Hass En ellas sale espontánea, sola o acompañada por los actores del reparto


Marilyn vista por una mujer, la fotografa Eve Arnold :

 Fue la primera mujer que se la conoce por sus fotos de Marilyn. Quizá fue quien supo sacar su cara más espontánea, entre ellas hubo una gran amistad.


Los que la fotografiaron meses o dias antesde su muerte:



Aunque hay varios fotógrafos que retrataron a la actriz semanas antes de que apareciese muerta el 5 de agosto de 1962, hay uno, Allan Grant, quien le hizo una entrevista el 7 de julio pero no fue publicada hasta dos días antes de su fallecimiento por la revista LIFE. Son únicamente seis imágenes, se la veía radiante, aunque permitidme que intuya cierta melancolía en sus ojos.
En junio de 1962, George Barris, fue el encargado de hacerle las famosas fotografías de la playa de Santa Mónica durante el tiempo de rodaje de su última película.
Pero si hay una sesión que dio la vuelta al mundo gracias a la revista VOGUE, fue la realizada por Bert Stern en lo que él calificó como su historia de amor virtual con la rubia más deseada del celuloide. Se hicieron dos sesiones, en la primera aparecía desnuda y sin maquillaje, pero eran demasiado atrevidas para la publicación, por lo que se retomaron esta vez ya vestida y maquillada.


Por Patricia Rodriguez Fernandez

1º Grado Superior de Ilustración.

lunes, 24 de septiembre de 2012

La primera fotógrafa en España, Madama Fritz, visitó Córdoba en 1844.


La francesa Madama Fritz -también conocida por su nombre de casada, Madame Durrieu- fue la primera mujer que se dedicó a la fotografía en España. Aunque no fue la única, puesto que a ella la siguieron multitud de fotógrafas igualmente extranjeras que recorrieron las principales ciudades españolas, ofreciendo su trabajo como retratistas comerciales a través de anuncios o avisos en la prensa en la década de 1840.
Daguerrotipo.

Era una época en la que el invento del daguerrotipo atrajo la atención en España, pero curiosamente casi nadie se dedicó profesionalmente a ello, por lo que la afluencia de fotógrafos venidos de Francia, Alemania o Gran Bretaña fue significativa. La mayoría de ellos se dedicaron al retrato mediante esta técnica, aunque también trataron otros temas como la fotografía de monumentos y métodos como el calotipo, aunque en menor medida.

Retrato anónimo español de una bailarina, fechado en 1845.
 
Procedente de Barcelona y Madrid, Madama Fritz llegó a Córdoba a primeros de abril de 1844, tan sólo cinco años después de presentarse oficialmente el daguerrotipo. Para promocionar su trabajo en nuestra ciudad publicó un anuncio en el Boletín Oficial de la Provincia donde indicaba que trabajaría durante diez días establecida para ello en el Café Parador de Diligencias Generales en la calle del Cabildo Viejo –actual Ambrosio de Morales. Era la primera vez que un daguerrotipista comercial visitaba Córdoba.

Anuncio de Madama Fritz en el Boletín Oficial de la Provincia. Conservado en la Biblioteca Municipal de Córdoba.

Los formatos de fotografía que ofrecía abarcaban desde el sexto o la sexta parte del tamaño natural, hasta “la más mínima”, y los realizaba por un método propio en el que el tiempo de exposición tan sólo era de 8 a 15 segundos, ofreciendo la posibilidad de ser coloreados. El precio inicial era de 60 reales -la mitad de lo que costaba un retrato miniatura al óleo.

Anuncio de Madama Fritz en el semanario valenciano El Fénix, nº 28, 13 de abril de 1845.

En Córdoba tan sólo estuvo un mes, dirigiéndose a Cádiz en mayo de ese año, y posteriormente a Valencia, donde se establece desde noviembre de 1844 hasta diciembre de 1845, localizándose en varios domicilios como la Fonda del Cid, la Plaza del Cementerio de San Andrés, las calles Torno de San Gregorio, Juristas, y la Plaza de San Francisco.


PARA SABER MÁS: 

Sobre las pioneras de la fotografía y su relación con la ciencia recomiendo el artículo de García Felguera, Mª de los Santos: “Fotógrafas y científicas: Anna Atkins, Jessica Piáis Smyth y Elisabeth Fleischmann”, en FotoCiència, Palma de Mallorca, Fundació La Caixa, 2009. Págs. 67-102. Se puede leer online aquí.

El libro de González Pérez, Antonio Jesús: La Mezquita de plata. Un siglo de fotografos y fotografías de Córdoba, 1840-1939. Córdoba 2007 es la primera publicación que ahonda en la historia de la fotografía en Córdoba. Su autor es un conocido fotógrafo cordobés y fotohistoriador, que además ha comisariado varias exposiciones relacionadas con su ámbito de investigación.

En esta web podemos encontrar un interesante y muy recomendable artículo escrito por Eloy Martínez Lanzas -coleccionista de miniaturas- sobre la relación entre los primeros daguerrotipos y los retratos en miniatura.

Acerca de la relación entre el daguerrotipo y el grabado recomiendo este artículo escrito por José Mª Torres Pérez.

En esta web podéis leer una breve historia de la fotografía en Andalucía. 



Escrito por Guadalupe Gómez.

martes, 4 de septiembre de 2012

steve winters


El reportero gráfico Steve Winter trabaja para la revista estadounidense National Geographic desde 1991. Se ha dedicado a fotografiar fauna salvaje por todo el mundo, acompañado de un equipo de científicos. Persiguió durante seis semanas al leopardo de la nieve en India, a los osos gigantes de Kamchatka en Rusia, a los jaguares en la selva amazónica y fue acechado por un oso pardo en la fría Siberia.




Steve Winter se crió en Fort Wayne, Indiana. Desde pequeño soñaba con ser un fotógrafo de la revista National Geographic. Su primera cámara fotográfica fue un obsequio de su padre, cuando tenía siete años. Se mudó a California para estudiar en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, donde comenzó a trabajar como asistente del fotógrafo de la National Geographic Michael Nichols.
Luego se mudó a Nueva York, donde trabajó como reportero fotográfico para la agencia Black Star y colaboró con diversas publicaciones, como GEO, Fortune, Time, Natural History y Newsweek. Fue enviado a Costa Rica a hacer un reportaje sobre el Instituto Nacional de Biodiversidad de aquel país. Fue entonces cuando conoció la selva y quedó fascinado por la tarea de los científicos.
Estaba colaborando con la revista infantil Throught World, cuando en 1991 la National Geographic lo llama para hacer su primer foto-reportaje en Guatemala. Desde entonces ha recorrido el mundo, capturando imágenes de la fauna salvaje para la revista.
Fue atacado por rinocerontes en India, perseguido por jaguares en Brasil y acosado por un oso pardo en Siberia. Quedó preso en las arenas movedizas de Brimania, fotografió volcanes en erupción y visitó las aldeas más remotas del globo.


Actualmente vive en New Jersey, y continúa colaborando con la National Geographic. Su trabajo más reconocido es Snow Leopard, donde documentó al leopardo de la nieve, especie en peligro de extinción que habita las montañas de Asia Central. Este trabajo le mereció el premio Wildlife Photographer of the Year en 2008.
En la nueva versión del sistema operativo Mac OS X Snow Leopard de Apple, se incluyen como fondo de pantalla, fotografías de este portfolio de Steve Winter.

subido por jose trujillo

Steve Bloom


Steve Bloom
Steve Bloom es un escritor y fotógrafo sudafricano afincado en Inglaterra y co-fundador de una de las compañías de efectos especiales fotográficos más importantes de Londres. A principios de los noventa, mientras estaba de vacaciones en un safari, quedó tan maravillado fotografiando animales que cambió su vida para convertirse en fotógrafo de viajes.
Desde entonces, ha ganado varios premios como el The Power of Photography Award y publicado en revistas tan prestigiosas como Life, Time, National Geographic o Geo. En sus fotografías de vida salvaje siempre trata de capturar el alma del animal, como se puede percibir en sus retratos, una maravilla..






subido por jose trujillo

Richard Avedon


Uno es lo que come“, reza un dicho popular. Extrapolando esto a fotografía, un fotógrafo es lo que ha mamado. Por eso, que mejor que estudiar a los genios de la historia, aquellos que marcaron un antes y un después en este mundo.
No conozco la historia de casi ninguno y haré pequeñas menciones, centrándome sobretodo en lo que de verdad importa, sus fotografías. Pues soy de la opinión que el trabajo de un artista habla más del artista que su propia historia.
Para esta primera ocasión he decidido hablar de Richard Avedon quien me ha dejado fascinado con sus retratos.
RICHARD


AVEDON
Richard Avedon fue uno de los grandes retratistas de moda y que a mi, personalmente, me inspira muchísimo.
Neoyorquino nacido en Mayo de 1923, comenzó su carrera fotográfica en 1943 al ir a la guerra con la cámara que su padre le regaló. Pero su verdadera pasión era la fotografía de moda, estilo al que se dedicó cuando regresó del frente.
Para él la fotografía era como una confrontación creando una tensión para capturar la verdad interior de sus modelos. En palabras suyas “la fotografía es como una actuación, pues parece ocultar la realidad del sujeto pero va mucho más allá. El hecho es que no se puede captar la auténtica naturaleza del sujeto eliminando todo lo que le rodea. Solo se puede llegar más allá de ese circo trabajando con ese circo. Lo único que se puede manipular es ese circo, los gestos, los trajes, las expresiones… de un modo radical y correcto”  Siempre trató de buscar contradicciones conectadas en las personas que fotografíaba y lo conseguía.
Fue considerado uno de los diez mejores retratistas del mundo por la revista “Popular Photography“, lo que le abrió las puertas a poder retratar a personalidades de todo tipo como Charlie Chaplin, Buster Keaton, Stravinsky, Jhon Ford, Andy Warho, Truman Capote, Francis Bacon, Jorge Luis Borges, The Beatles, Sofia Loren, la familia Kennedy y muchos más.Su éxito fue tal que sus trabajos frecuentaban algunas de las revistas más populares de la época como Harper´s Bazaar y Vogue. Incluso en 1957 la película Funny Face le rendía un pequeño homenaje al incluir un fotografo de moda claramente inspirado en Avedon.
Es digno de mencionarse uno de sus trabajos más importanes. Ocurrió en 1979 y fue un encargo delMuseo Amon Carter en el que pasó cinco años de su vida recorriendo el oeste de Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia americana. La obra fue titulada In the american west y en ella aparecen personas de lo mas corriente tales como granjeros, mineros, prostitutas, vaqueros de rodeo, amas de casa y muchas más. Aunque lejos de mostrar en sus fotografías el típico sueño americano, lo cierto es que estos retratos son un ejemplo de composición soberbia y una considerable fuerza expresiva, algo que Avedon sabía capturar muy bien.Cuando en 1984 terminó el trabajo había recorrido 189 poblaciones por 17 estados. En total había fotografiado a 752, para lo cual tuvo que utilizar unas 17.000 placas de película. Al final solo 123 retratos serían seleccionados para formar parte de la colección In the american west para la cual fue contratado.
En Octubre de 2004, a la edad de 81 años, estaba realizando el que sería su último trabajo. El título de este trabajo era On democracy y lo estaba realizando para The New Yorker, la publicación para la que trabajaba en exclusividad desde 1992. El trabajo consistía en retratar a políticos y ciudadanos de a pie  de Estados Unidos para que apareciesen con motivo de las elecciones que se iban a celebrar próximamente en el país.Pero el infortunio y Richard Avón estaban citados para aquellos días y se presentó en forma de hemorragia cerebral, lo que le causó la muerte y, con ello el fin de su obra artística por la que siempre será recordado.
Pero aunque ya no está entre nosotros dejó un legado en forma de imágenes inmortales que siguen haciendo las delicias de cuantos las ven y estudian.








Para concluir con el repaso a este Maestro os dejo una de sus célebres frases: “La fotografía es un arte triste


subido por jose trujillo

chema madoz




Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.

En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.
En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual “Objetos 1990 – 1999″, que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.Chema Madoz, su obra
En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición “Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española” que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.Ese mismo año recibe el Premio Kodak.
La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro “Chema Madoz (1985 – 1995)”.
Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula “Mixtos – Chema Madoz”.



En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como “Autor Destacado”. Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).”

subido por jose trujillo

Ansel Adams


Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 - 22 de abril de 1984fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador delsistema de zonas.
Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos,Ansel Adams,Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La CámaraEl Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward WestonWillard Van DykeImogen Cunningham y otros.
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.
Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Fue considerado fotógrafo y ecologista. Cuando Adams tan solo tenía 4 años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal.
Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza.
Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres. Se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, y se casaron en 1928, engendrando a 2 hijos.
En 1927 apareció Albert M. Bender en su vida, quien le ayudó dándole energía y seguridad.
En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilopictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.
En 1927 Ansel Adams conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64" en 1932. Éste grupo promovió y evolucionó “straight photography”.
Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición.
El 6 de agosto de 1953, Adams le escribió una carta a Stieglitz, para hablarle de su precaria situación económica. Fue entonces cuando comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba explotar su creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Este trabajo no sólo sirvió a Adams para el mencionado sustento financiero, sino que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo.
Weston y Strand le comenzaron a pedir consejos técnicos. Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.
En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Ahí conoció a Beaumont(historiadora) y a Nancy Newhall (escritora-diseñadora). Más tarde colaboraría con Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life.
Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo sobre él: “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles". Pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.
Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.

subido por jose trujillo





Bill Brandt


Bill Brand nació en 1904 en Hamburgo. Se interesó por la fotografía a partir de los 20 años, cuando todavía residía en Viena. Este gran maestro de la fotografía, optó por resaltar en sus obras algunos valores como la poesía, la justicia y el amor.

En 1929 se muda a París donde trabajará como asistente de Man Ray, para trasladarse, dos años después, a Londres. Allí empieza su carrera como fotógrafo independiente. Durante este tiempo Brandt hace fotografías de grandes ciudades inglesas, en un momento en el que se acerca apresuradamente una fuerte crisis económica.
En 1944 adquiere una cámara de placa con un gran angular.

Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por determinados tipos de luz, que estimula la total y absoluta libertad mental. El poeta Aland Ross escribió sobre esta forma característica de los retratos de Brandt, el cual exploró libremente las posibilidades del medio fotográfico sin ligarse a ninguna doctrina concreta.

Hacia los años 50, empieza a positivar sus imágenes en papel contrastado y duro, llegando a solidificar los negros, lo que proporciona un extraordinario relieve a altas luces.

A la edad de 40 años, Brandt pasa desde un tipo de fotografía arquitectónica y social, al retrato. En este momento es cuando, tras su experimentación, se inicia en la fotografía de desnudos y perspectivas deformadas.
Desnudos, Campden Hill, London, 1949
"Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez." - Bill Brandt.

Bill Brandt falleció el 20 de Diciembre del 1983.


 subido por Jose Trujillo